-... Hombre Jerónimo, ya tenía ganas de verte otra vez.

- ¿Y se puede saber cómo me has reconocido?

-… Pues bueno… no me ha resultado muy difícil reconocer esos ojos, ese par de orejas, esa nariz, esa boca,… Han pasado unas cuantas semanas desde la última vez que nos vimos, pero no se puede decir que hayas cambiado mucho durante ese tiempo.

- Y sin embargo, no se puede decir que sea el mismo de hace un par de semanas, tanto en referencia a mi sustancia como en mi pensamiento.

- ¡¡¡¿Qué?!!!…

- Me explico…

- Siempre lo haces muy a mi pesar.

- … Cada día que pasa, cada hora que sucede, cada segundo que transcurre, nuevos acontecimientos se manifiestan ante mis sentidos. Nuevas experiencias se unen a las que ya poseía modificando mi futuro comportamiento. Hace una semana leía un libro sobre los efectos negativos de la sociedad post-industrial, hace dos días asistí a un seminario sobre el delito del fraude tributario, ayer fui a ver la película “Independence Day”. ¿Cómo pues no me voy a ver afectado en mi carácter por esos hechos tan trascendentales?. Y si esta experiencia se traduce en una modificación de mis neuronas, ¿cómo se puede negar que todo esto no haya afectado a mi físico?.

- Entonces, si todo esto es cierto, cómo puedo estar seguro de que tú eres el Jerónimo de siempre.

- ¡Por Dios Juan!… ¿es qué no eres capaz de reconocer a tu mejor amigo?… ¡venga esa mano!.

*************

Y bueno, una vez efectuados los saludos y ya que la cosa va de palabras, ¿por que no seguimos jugando con las palabras?.

A continuación una serie de consejos tipográficos. (En la imagen superior una ilustración para la presentación de un tutorial de diseño de fuente tipográfica para la Escuela de Arte). 

1.- Quizá el primer y más importante punto a tener en cuenta siempre antes de maquetar cualquier texto es preguntarnos a quién va ir dirigido principalmente. Ello debe determinar composiciones más o menos dinámicas, tipos de fuentes, etc. Así pues debiéramos escoger un tipo  apropiado al mensaje que se presenta y al público  objetivo.

2.- No deberíamos utilizar en nuestro trabajo más de 2 fuentes. Sólo deberíamos agregar más cuando estemos totalmente seguros que nuestro diseño lo necesita.

3.- Teniendo en cuenta que la legibilidad está relacionada con la familiariad (y esto último siempre podemos “irlo provocando”), debemos partir que las fuentes con serifa son las más apropiadas para textos largos (ya que la serifa ayuda a distinguir el carácter), y que las fuentes de palo seco (que no tienen serifa) son las más apropiadas para titulares o pequeñas notas informativas, por su diseño más sencillo y limpio.

En todo caso debemos tener igualmente el medio en el que se va a reproducir el mensaje. Así las fuentes con serifa aunque funcionan mejor como tipo de lectura en imprenta, por el contrario, cuando hablamos de pantallas (diseño web) no resultan tan óptimas y en este caso las de palo seco o sin serifas, ofrecen una mejor legibilidad sobre todo cuando hablamos de resoluciones bajas.
4.- A partir de lo dicho anteriormente, existen ciertas combinaciones tipográficas de probada eficacia. Menciono unas cuantas, en cualquier caso existen muchas más y desde luego la experimentación es siempre aconsejable dado que lo que todo el mundo utiliza puede volver nuestro mensaje un tanto anodino:

• times (bloques de texto) – helvética (titulares)
• palatino (bloques de texto)- Univers o Tiffany (titulares)
• Garamond (bloques de texto) – Univers (titulares)
• Bodoni (bloques de texto) – News gothic o Headlines 2 (titulares)
• Activa o Avant gard (bloques de texto) – American Typewriter (titulares)

Existen también fuentes con versiones con serifa y sin serifa.

5.- En lo referente al tamaño del texto, cuando hablamos de medio impreso este debería estar entre 9 y 12 puntos (dependiendo si estamos hablando de libros o material de marketing). 7-8 puntos puede ser usado para las notas informativas siempre que, según la fuente elegida, puede ser leída sin dificultad. Naturalmente para carteles u otros grandes formatos ya mencionamos en otro post.

6.- En lo que se refiere al interlineado, como regla general, cuantos más caracteres contiene la línea el interlineado debería ser mayor. Debiéramos partir en todo caso que el espacio interlineal sea 2 puntos mayor que el tamaño de la tipografía (v.gr., si usamos una fuente de 10 puntos el interlineado debería ser al menos de 12 puntos, es decir un 120% mayor).

7.- Para calcular el ancho de la columna existen varias métodos: por ejemplo, se dice que la anchura óptima de una línea es de 10 palabras, siendo cada una de estas una media de 5 caracteres; también se dice que dicha anchura óptima se corresponde con un la longitud una vez y media del abecedario en caja baja.

8.- Por último no resulta muy conveniente el subrayado o las mayúsculas para resaltar un trozo de texto; es preferible el uso de negritas o cursivas.

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Por cosas del trabajo en las últimas semanas no me ha dado tiempo a soñar escribiendo como de vez en cuando me apetece hacer… En fin, antes de ponerme a ello he acabado la ilustración que acompaña estas líneas, y la cabeza ha terminado por dibujar lo que se ve… en este caso no tenía un boceto previo muy concreto, así que el resultado se debe a una serie de ensayo-error y otro buen tanto de improvisación. Una vez acabado, el título me ha venido de inmediato: “contemplación”… ´

No se me escapa ahora que dicho tema tiene relación con el tiempo, el estudio, la meditación,… En estas semanas pasadas, nuevamente, he tenido que asistir a un par de casos en los que sus protagonistas esperaban con un curso de tan sólo más o menos tres meses ser ya todo unos diseñadores; en cualquier caso tampoco es que lo tuvieran muy seguro.

Yo llevo ya unos cuantos años dedicándome a ésto y otros cuántos más de estudio, y cada vez me doy cuenta de lo poco que sé y de lo mucho que me queda por aprender y ver. Lo cual por otro lado me resulta fascinante, con todo el miedo que ello pueda causar por la eterna inseguridad en la que nos vemos… pero es por ello que me siento seguro porque sé que aunque no lo sepa, la respuesta está ahí y sólo hay que buscarla un poquito.

Y sin embargo qué es lo que puedo pensar de alguien que pretende “salir sabiendo” tras sólo tres meses y sin pasar por ningún examen (?). Sin embargo, igualmente podríamos preguntarnos sobre la responsabilidad de los profesores que muchas veces no advierten sobre ello al alumno. En todo caso no debemos engañarnos, si existen dichos cursos es porque hay empresas que lo demandan y que se conforman con el nivel de dichos trabajos a pesar del riesgo que pueda suponer para la imagen y la economía de sus empresas. De cualquier manera si dichos empresarios corren esos riegos es porque muchas veces no los conocen y es porque los “profesionales” de la publicidad y el diseño no se lo han hecho debidamente saber…. mmm… supongo que este debería ser el hilo lógico de la argumentación, pero hoy en día me sabe un tanto vacío de sentimiento, quizá por toda esa carga de “lógico”…

Al fin al cabo siempre han existido los “niveles”… y ni todo el mundo desea aprender lo mismo, ni todo los empresarios desean la respuesta más profesional o creativa,… Y ni hay que buscar mayores responsibilidades, ni malo ni bueno, ni mejor ni peor. Simplemente la vida es así…

Al fin al cabo, no todo el mundo desea contemplar…

*** La ilustración la debo a mi amiga Mamen que se brindó a mis experimentos… Y a mis ganas de aprender… como he dicho al principio este trabajo ha sido una serie de pruebas y ensayos-errores de una serie de tutoriales que encontré en HernanDavos vía Vecindad Gráfica

Pues como señala el título de esta entrada este post quiero dedicarlo a los juegos. Hace poco he descubierto una pequeña maravilla: “Cave Story” (Doukutsu Monogatari)… Uno de los hechos que le otorga un valor añadido al mismo es que el mismo ha sido desarrollado íntegramente por un único japonés “PIXEL” durante 5 años, saliendo el mismo a la luz en diciembre de 2004. El juego del tipo plataformas ofrece una perspectiva lateral en 2D, típica de los juegos de “antes”, de hace 10 años… y sin engañarnos, es tremendamente jugable, adictivo, y con un guión bastante entretenido. Por supuesto su diseño no ha sido nada descuidado y en el mismo podemos encontrar un exponente de una seña de identidad japonesa (su sentido del humor), lo “kawaii”, es decir lo mono o adorable, en forma de vampirillos y demás bichelejos pixelones; curioso como el aparentemente más descuidado es el protagonista de dicha historia.

Sin duda lo que más me llama la atención es el descubrir como internet se haya plagado de referencias a dicho juego: miles de personas aclamando las bondades del mismo, revisiones de su banda sonora, cómic, ilustraciones, revisiones para la PSP… Sólo hay un elemento que sea capaz de explicar todo ello y es que el juego se presta a la imaginación… muchas veces lo más sencillo es quizá la solución más conveniente.

Por supuesto las imágenes que acompañan a este post no pertenecen a dicho juego. Se trata de las capturas de otro videojuego que llevé a cabo junto a amigos de E.U.P de Informática… alrededor de 1995. El mismo lo titulamos “El Vuelo del Buitrón” y aunque no llegó a finalizarse, si se llegó a avanzar mucho en el aspecto gráfico. Muy buenos recuerdos me trae el mismo. En aquel entonces lo más importante era echar mano de la máxima imaginación posible para aprovechar los recursos de la época… el dibujo era sobre todo cuestión de paciencia. Un dibujo de pixel a pixel con el ratón…

:: enlace a la web con muchos recursos sobre el juego ::

:: enlace a la web de descarga del juego en español ::

Sirva todo esto como introducción a otro tema: “La Navaja de Ockham”…

La Navaja de Ockham o principio de economía o de parsimonia hace referencia a un principio de diseño según el cual en igualdad de condiciones la solución más sencilla es probablemente la correcta, es decir, y si nos referimos al diseño, si tenemos varios y todos ellos cumplen los objetivos o funcionalidades requeridas lo preferible es decantarse por el más sencillo.

Se atribuye el mismo al fraile franciscano Guillermo de Ockham (aunque no hay una prueba clara en dicho sentido) y sirvió como principio fundamental para la filosofía y lógica, aunque hoy en día tiene aplicación en muchos campos como la informática o la economía. De forma simplificada se afirmaría que cuando varias explicaciones fueran capaces de explicar un fenómeno debemos elegir aquella explicación más sencilla que introduzca menos elementos en juego.

En diseño deberíamos actuar de igual forma. A más elementos que introduzcamos en nuestro diseño aumenta la probabilidad de que haya algo que falle o que disminuya la eficacia de nuestro mensaje. Así pues deberíamos elegir el más sencillo o simplificar nuestro trabajo.

Por cierto… ¿he mencionado qué una de las obras cumbres del panorama español en cuanto a videojuegos es “La Abadía del Crimen” de Paco Menéndez, naturalmente, basado en la novela de Umberto Eco “El nombre de la rosa” y que tenía como protagonista a nuestro famoso fraile?…

Estos días pasados esta web sufrió problemas técnicos, todo hay que decirlo “mea culpa”, por lo cual pido disculpas a aquellos que hayan podido pasarse y no hayan encontrado nada…. El caso es que he descubierto que la activación de determinadas opciones de mi wordpress dan problemas; conseguí en cualquier caso arreglarlo…

En fin sólo queda pues nuevamente ponerse manos a la obra y a ver si en los próximos días hago recopilación de nuevos temas.

*** En la cabecera un trabajo de escuela en el que tuve que realizar un ejercicio de trazado (que no vectorización-automática). Me serví para ello de ilustrador Jeff Soto, el cual me ha parecido con una obra muy fresca y dinámica.

:: web de Jeff Soto :: 

Siempre he sentido verdadera fascinación… la forma de una mujer, el recorrer de su cuerpo, la línea de sus curvas, el lograr en un sólo trazado colectar toda su esencia y misterio, el sentido de un pensar distinto al masculino, la fascinación de la nada… El ejercicio se antoja una empresa quijotesca pero no imposible;  porque dicho trazo debería captar la línea interna de ellas, así como el soplo que las anima; es, debe ser, forma, color, volumen y ritmo. Y no cabe duda ni vacilación, porque el trazado es dolorosa realidad sobre el papel. Es por ello por lo que en él hay buena parte de nosotros mismos, porque somos sus creadores y durante unos segundos, el tiempo que nuestro pincel o lápiz lo construyen, somos lo que pintamos, o al menos lo que creemos que es, reflejos en el espejo atrapados todavía en el estadio infantil…

(ilustración a carboncillo basada en una obra de Lin Feng-mien) 

Sirva de introducción ello al tema de “la mujer y la publicidad”.

La mujer ha sido y sigue siendo muy utilizada en los diferentes medios de comunicación, aunque los distintos roles que puede asumir han ido transformándose a lo largo de la historia. En cualquier caso podríamos diferenciar los siguientes estereotipos:

• la mujer como objeto de deseo y reclamo visual: El cuerpo femenino es presentado y exaltado y se usa como motivo de culto y evasión. No son raros los productos que aprovechándose de lo mismo han multiplicado sus ventas basándose en campañas de este tipo. Sin embargo encuestas realizadas sobre lo mismo reflejan que los compradores sienten un cierto rechazo y sospecha ante aquellos productos que utilizan este tipo de publicidad; la impresión que puede ofrecer el artículo en sí mismo es pobre, al tener que recurrir a este tipo de estrategias para aumentar sus ventas. A pesar de todo ello sigue utilizándose en numerosos spots publicitarios.
• tendencias sexistas o vejatorias: son spots publicitarios de electrodomésticos, juguetes para niñas, etc… El Instituto Nacional de Consumo ha realizado numerosas denuncias en casos claros de agresión más o menos sutil contra la integridad y los derechos de la mujer.
• el mundo de los sentimientos: un recurso muy utilizado. La mujer puede presentarse de forma maternal o rememorar momentos vividos llenos de nostalgia. Por ejemplo, “el aroma de Heno de Pravia deja en mis manos el aroma de mi hogar”. El mundo de las emociones ocupa un lugar preferente y estas aparecen envueltas en música e imágenes sugestivas y cuidadas. En este apartado se dan casos donde se conjugan los elementos emoción + demostracion o testimonio, formando binomios bastantes empleados en publicidad.
• roles sociales varios: la mujer aparece como exponente de determinados papeles:
• ama de casa
• mujer trabajadora (fuera del hogar)
• joven independiente
• resolutiva y culta
• triunfadora liberada
• activa con protagonismo dentro de la sociedad.

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Otro proyecto de mis estudios de diseño: la maquetación sobre una supuesta exposición sobre Magritte. Fantástico este representante del surrealismo que introdujo a través de su obra nuevos planteamientos de gran belleza y originalidad a través de una obra reflexiva y muy conceptual. Su sello se deja ver hoy en día, no sólo en lo propiamente artístico, sino igualmente dentro del mundo del diseño a través de la publicidad mediática e incluso los video-clips musicales.

Dejo aquí el enlace para poder ver dicha maquetación que contiene tanto parte de su vida como alguna de su obra:

:: Magritte, vida y obra (pdf) ::

En su momento este trabajo a parte el hecho de servir como ejercicio de maquetación sirvió igualmente para explicar entre otras cosas las PARTES DE UN LIBRO:

Naturalmente no todas estas partes aparecen en todos los libros.

1. Hojas de cortesía: en blanco, aparecen (una, dos o incluso más) al principio y al final del libro
2. Frontis: página anterior a la portada con algún grabado o fotografía.
3. Portada: Es la página que contiene los nombres completos del autor o autores además del título de la obra, la editorial y otros datos como año de impresión, etc.
4. Página legal: página posterior a la portada, donde se anotan los derechos de la obra: el número edición y año, reimpresión, el nombre del traductor (si es una obra originalmente escrita en otro idioma), el año en que se reservaron los derechos, representados por el signo © (copyright), el lugar de impresión, la casa editorial, el International Standard Book Number (número internacional normalizador de libros) conocido como ISBN, etc.
5. Anteportada o portadilla: página anterior a la portada; se suele poner sólo el título de la obra
6. Contraportada: página posterior a la anteportada, y en la que suelen poner detalles de su pertenencia por ejemplo a una serie o colección, etc.
7. Dedicatoria: página que el autor usa para dedicar dicho libro. Su orden puede variar.
8. Índice General o de contenidos: en algunos casos pueden aparecer aquí o igualmente al final de obra
9. Agradecimientos: página dedicada por el autor a dar las gracias a los que colaboraron de alguna forma en la elaboración o publicicación del libro.
10. Prefacio o presentación o prólogo: que precede al cuerpo principal de la obra; puede contener una introducción a esta formada por una o más páginas. Puede estar escrito por el autor u otra persona. Puede haber incluso varios.
11. Advertencia: pagina/s usadas por el autor o editor para aclarar o advertir de algún hecho.
12. Epígrafe: página reservada a alguna frase o cita que sirve de introducción o inspiración a la obra.
13. Cuerpo de la obra: la parte principal del libro dividido normálmente en partes, capítulos, etc.
14. Epílogo: parte añadida al final de la obra que contiene alguna consideración general acerca de ella.
15. Apéndices: complementos o suplementos aportados al cuepo de la obra.
16. Glosario: se definen términos especializados utilizados en la obra.
17. Listado de Abreviaturas: símbolos y abreviaturas utilizados en la obra.
18. Bibliografía: se dicen obras utilizadas por el autor en la elaboración de la obra o de posible ampliación de ésta.
19. Índice o listados: de fotografías, ilustraciones, etc.
20. Colofón: en dicha página situada al final del libro suele aparecer el lugar de impresión, fecha y nombre de la imprenta, y quizá otros datos relativos a la impresión.
21. Cubierta: Son las tapas del libro, donde normalmente aparecen el título de la obra, autor y editorial.
22. Lomo: igualmente aparecen título de la obra, autor y editorial.
23. Camisa: la cubierta que envuelve a las tapas y en las que aparece el título de la obra, autor y editorial.
24. Solapa: es una prolongación de la camisa (o la cubierta si esta lo permite físicamente) que se dobla hacia el interior del libro y la que aparecen datos del autor (su obra, o sobre el libro o su foto, etc)
25. Guardas: hojas de protección que unen el libro y la tapa.

Rescato hoy de mi recuerdo esta ilustración que realicé en su momento con mi hijo pequeño de protagonista. Cuando la acometí ya lo dijo Manolo, un famoso pintor de aquí de Málaga, este tipo de trabajo tiene otro encanto. Ciertamente dadas las horas que te compromete no puede ser de otra manera…

 

Al respecto de esta ilustración me viene igualmente al recuerdo el tema del NIVEL DE REALIDAD que se establece como variable definitoria de la IMAGEN.

De todas las definiciones que pudiéramos ofrecer sobre la imagen, una de las más completas es la ofrecida por ADAM MOLES: “La imagen es un soporte de la comunicación visual que materializa un fragmento del entorno óptico (del universo perceptivo) capaz de permanecer en el tiempo, y que constituye uno de los componentes principales de los medios de comunicación de masas”.

Se dice así que la imagen es un objeto en sí mismo, tiene materialidad y sustancialidad en sí misma, y por tanto vida propia… nos remite a un referente y lo convierte en inmortal, pues subsiste a través del tiempo. Pero la imagen no es una representación de la realidad, sino una interpretación de aquélla, porque la imagen no es neutra, ni inocente, porque se ha realizado con una intención.

El nivel de realidad de una imagen, a lo que en primer lugar nos hemos referido, se basa en la semejanza entre una imagen y su referente; se expresa a través del grado de iconocidad el cual se puede evaluar aunque de forma a veces un tanto relativa a través de escalas de iconocidad. El primero en construir una escala de iconocidad fue Adam Moles en 1975. Así pues, la escala del nivel de realidad, según éste, estaría dividida en 11 secciones (de más reales a menos reales):

1. Imagen Natural: restablece todas las propiedades del objeto; existe identidad.
2. Modelo tridimensional a escala: restablece todas las propiedades estructurales del objeto; existe identificación pero no identidad.
3. Imágenes de registro estereoscópico: restablece la forma y posición de los objetos emisores de radiación presentes en el espacio (se pierde el volumen). 
4. Fotografía en color: cuando el grado de definición de la imagen esté equiparado al poder resolutivo del ojo medio.
5. Fotografía en blanco y negro
6. Pintura realista: restablece razonablemente las relaciones espaciales en un plano bidimensional
7. Representación figurativa no realista: aún se produce la identificación, pero las relaciones espaciales están alteradas.
8. Pictogramas: todas las características sensibles, excepto la forma estructural, están abstraídas.
9. Esquemas motivados: todas las características sensibles están abstraídas. Sólo restablecen las relaciones orgánicas.
10. Esquemas arbitrarios: No representan características sensibles. Las relaciones de dependencia entre sus elementos no siguen ningún criterio lógico.
11. Representación no figurativa: Tienen abstraídas todas las propiedades sensibles y de relación.

El nivel 11 sería el más adecuado para describir la realidad. Los niveles 10-7 aseguran la correcta descripción. Y los niveles 8-7 en concreto aseguran una descripción correcta y artística. Los niveles 6-5 y 1 sólo aseguran la artística. Los niveles 4-2 ofrecen información por su capacidad de conceptualización (v.gr., siluetas, planos, señales de carretera, respectivamente)

Estos días me siento muy contento. Una de mis fotografías ha servido como portada para una revista de ámbito nacional: “TodoGatos”. Debo agradecer ello a Maribel y Carmen de “La Zarina”; en primer lugar por prestarme a Z*Simesis el Zorro para tal foto, y en segundo lugar por dar a conocer mi trabajo a los editores de la revista. Ciertamente quedé cautivado por esos ojos de tales animales, una mirada como la describen “viva y seductora”…

:: enlace a la galería con el reportaje fotográfico al completo ::

La ilustración que acompaña el principio de estas líneas la realicé como cabecera para Artefelino.

:: enlace a la web de artefelino ::

 

Esta portada puede servir como ejemplo para explicar “LA REGLA DE LOS TERCIOS”

Se trata esta de una técnica compositiva muy sencilla de utilizar y que por lo general ofrece buenos resultados. La misma se aplica dividiendo la imagen o composición en tercios, tanto vertical como horizontalmente, creando de esta forma una cuadrícula de nueve rectángulos y cuatro intersecciones considerados como puntos de máximo interés. De esta forma, los elementos principales del diseño se colocarían  cerca de las intersecciones de las líneas verticales y horizontales que dividen en tercios el largo y el ancho de la imagen, creando una imagen estéticamente agradable y balanceada.

Si hacemos números observaremos que al dividir un diseño en tercios se obtiene una proporción distinta a la de la sección áurea (0,666… mientras que de la de la sección áurea equivale a 0,618); sin embargo, por la sencillez de ésta muchos consideran aceptable esta inexactitud.

En el ejemplo que nos ocupa, podemos observar como los ojos se han colocado sobre la línea horizontal superior (resulta un poco complicado el poner alguno de los ojos sobre la intersección sin sacrificar más “partes” del gato). Por otro lado, aunque en muchas ocasiones cuando el elemento principal del diseño o fotografía debe considerarse centrarse (evitando esta regla) para evitar desequilibrios composicionales, en este caso vemos como se ha optado por seguir respetando este principio y se ocupa dos franjas de rectángulos con el cuerpo del gato logrando así un mayor dinamismo en la fotografía.